Encargo reseña Marzo

Sofía Edwards

Vicente Arrese

Rosario Aninat

Anastassia Akel

Deben escribir una breve crítica de entre 70 y 100 palabras sobre la obra de un pintor que les guste. El tema de la primera unidad es anatomía y representación pictórica, por lo tanto, su reflexión debe centrarse en ese tema. Por favor suban su reseña al blog durante el mes de Marzo.

10 Comments

Filed under Encargos, Reseñas de pintores

10 responses to “Encargo reseña Marzo

  1. Anastassia

    creo que ya tengo lista mi reseña, ¿cómo lo subiremos? directamente como entrada ( y nos darán contraseña del blog) o lo incluimos en una entrada existente?

  2. Anastassia

    http://www.musee-orsay.fr/fr/collections/catalogue-des-oeuvres/resultat-collection.html?no_cache=1&zoom=1&tx_damzoom_pi1%5Bzoom%5D=0&tx_damzoom_pi1%5BxmlId%5D=070003&tx_damzoom_pi1%5Bback%5D=fr%2Fcollections%2Fcatalogue-des-oeuvres%2Fresultat-collection.html%3Fno_cache%3D1%26zsz%3D9

    Lutteurs, Alexandre Falguière (1875)

    Esta obra la encontré en el catálogo del museo d’Orsay, Paris, Francia. En ella se presentan dos figuras centrales masculinas ante un público menos relevante en el fondo de la pintura. A medida que nos alejamos de los protagonistas, los personajes se van haciendo más difusos y menos detallados llegando a ser simples manchas en la esquina superior izquierda del cuadro. Además podemos percibir que la luz se dirigirá esencialmente a estos dos hombres luchadores e irá disminuyendo, una vez más, a medida que nos alejamos, ayudando a reconocer figuras seguramente importantes como lo son el hombre de la primera fila y los dos otros que le siguen en la segunda. Volviendo a los luchadores, notamos en su cuerpo los puntos de apoyo. Vemos una figura más afligida y recogida como lo es el hombre atrapado, y una más estirada como lo es quien lo tiene atrapado. Ambos se adhieren al suelo, y con las piernas hacen fuerzas para controlar al otro. En la obra se ve a quien atrapa (hombre erguido), más relajado: esto se refleja por medio de su cuello y cabeza, los cuales se muestran estirados sin mayor tensión. A pesar de que está aplicando fuerza sobre su contrincante, aprovecha sus dos puntos de contacto (brazo y costillas), para inmovilizar fácilmente al otro. Su víctima por otra parte, más débil -ya que debe hacer un mayor esfuerzo para retirarse-, clava su cabeza en el pecho del luchador, para que con esto en conjunto con la fuerza ejercida por la pierna derecha -que mantiene entre las piernas del otro- logre impulsarse fuera del cuerpo enemigo con la ayuda posterior de su pierna derecha. Por otra parte existe la posibilidad de un segundo movimiento por parte del luchador recogido. Puede que este movimiento reinvierta los roles de esta lucha, siendo el estirado la victima de un ataque del que ahora sería quien lo controla en realidad. Puede ser que quien parecía afligido en realidad esté intentando levantar o derribar a su contrincante. Vemos en este caso, un punto de estabilidad en ambas piernas, de quien se mantiene más erguido. Los pies en 90° buscando adherirse al suelo. Se estaría protegiendo a la vez afirmándose estratégicamente de quien lo sostiene agachado. Según mi opinión el que existan dos posibilidades de acción, intensifican el sentido de lucha presente en el cuadro.

    • La primera observación de cómo se distribuye la luz del cuadro y el grado de definición de los personajes para dar jerarquía a la escena representada, tiene relación con la manera en que se articula la imagen y por lo tanto, la pintura. Posteriormente se enfrasca en una descripción que es netamente narrativa olvidando cómo se produce dicha narración.

      Mucha descripción visual en desmedro de un análisis personal. Es necesario separar lo que se ve en el cuadro y lo que se interpreta a partir de lo que se ve (los personajes no se están moviendo, son el resultado de la ilusión de movimiento). En realidad no hay personajes, ni pelea, solo hay pintura – superficie. Sería interesante analizar como se crea la ilusión de movimiento y tensión, con que estrategias pictóricas.

  3. Rosario Aninat

    Reseña Pintura
    Maria Lassnig
    You or Me (2005)
    http://goo.gl/lQhxg (imagen)
    Maria Lassnig es una pintora austriaca, también conocida por su arte multimedia. Su trabajo en pintura es protagonizado por la presencia figurativa de figuras realistas a partir de una imagen simple y el tema principal de su obra es la exploración del cuerpo la cual realiza mediante a retratos propios. La pintura que elegí se llama ‘You or Me’ del año 2005. La pintura muestra un autorretrato donde aparece desnuda con dos pistolas, una apuntado a ella misma y la otra al frente. Esta pintura tiene relación directa con el estudio de anatomía del cuerpo. La pintura se crea a partir de manchas que van formando este cuerpo. Estas manchas se transforman en las luces y sombras del cuerpo y crean un volumen que a pesar de estar situado en un fondo blanco, logra adquirir peso. El cuerpo final no es una representación exacta de la persona en sí, pero la consecuencia del juego entre las manchas deja en claro la existencia de volumen y se logró concretar la figura de persona de manera sintética, simple, pero a la vez muestra que la preocupación por los detalles no es estrictamente necesaria para dar a entender la existencia de un todo dentro de la representación.

    • Buena observación personal de la pintura, a partir de sus propios intereses pictóricos. Se abandona el intento de objetividad en pro de una analisis en base a anhelos individuales.

      Cuidado con la descripción visual porque está la foto. Pensar: ¿Que agregan las palabras a la imagen? cuando narro lo que veo ¿como hacer que las palabras creen un puente entre la mente del que escribe y el cuadro?. Las palabras siempre deben ser un arma, una herramienta, servir a una intención (nunca son inofensivas o neutras)

      Por ejemplo se podría haber profundizado en la tensión existente entre la narrativa de la imagen (de violencia) y la manera en que está pintada, que junto a las luces y las sombras, es relevante la saturación de algunas zonas de la pintura y el uso del fondo para dar fuerza a la figura.

      El contenido del párrafo está realmente condensado en la última frase. Recomendamos escribir siempre como esa última frase: decir lo más posible con las menos palabras (la precisión es deseable tanto en la pintura, como en la escritura)

  4. Vicente arrese

    Reseña Pintura
    Vicente Arrese
    Stella Vine
    “Wonder Woman”
    Stella Vine es una pintura inglesa, conocida por retratar, criticar y mofarse de la cultura pop británica como Lady Diana,Kate Moss, Pete Doherty, entre otros. La técnica que se observa en sus pinturas es bruta y descuidada, dando una sensación de decadencia en la cultura en la cual vivimos. La pintura que elegí es un retrato a la mujer maravilla, que más que por el contenido crítico de la obra, elegí esta composición por el grado de síntesis que ocupa en las manchas y pinceladas; con los toscos brochazos, ese color de piel rosado y el descuido de la mezcla de colores no son señal de una buena pintura, pero de alguna manera todas estas imperfecciones ayudan a que la pintura nos de un ambiente, que es lo que al fin y al cabo lo que la pintura busca.

    • En la reseña se asumen varias ideas particulares como si fueran un consenso:
      -una técnica bruta y descuidada connota la cultura decadente en que vivimos
      -es esta pintura un retrato? toda representación de una persona es un retrato?
      -las técnicas que usa “no son señal de una buena pintura”. Que es una buena pintura? acaso cuán buena es una pintura no debería medirse respecto a sí misma?
      -¿es crear una ambiente lo que toda pintura busca? ¿también los retratos, por ejemplo?

      Cuidado con esas presuposiciones, porque tienden a limitar nuestra comprensión de la pintura y por lo tanto nuestras posibilidades creativas.

      Probablemente las generalizaciones del texto tienen que ver con que los términos que se utilizan no son los más apropiados para la idea que quiere decir. “buena pintura” podría ser reemplazado por “pintura academicista” y quizás “ambiente” tampoco es el término preciso para esa idea, quizás es mejor decir “conjunto” o “universo”.

      El texto es un buen intento de análisis, pero le falta argumentación y profundidad.

  5. Sofia edwards

    Reseña Pintura
    Sofía Edwards
    David Febland
    Para escribir mi reseña escogí al pintor neoyorquino David FeBland. Su obra es en la mayoría retratos de diferentes personas en cualquier ciudad alrededor del mundo, se muestran situaciones cotidianas. En general, se pueden apreciar dos principales maneras de acercarse a la anatomía humana dentro de sus pinturas. La primera de estas, es mediante figuras de contornos definidos, colores más bien planos, ilustrando a personas de rasgos exagerados; un ejemplo sería “Accidental Couple” del 2004. Este tipo de pintura se relaciona directamente con su antigua profesión de ilustrador. La otra manera utilizada por FeBland para inmortalizar al cuerpo, es con pinceladas rápidas, donde se estructura a la persona mediante manchas armando, una figura sin contornos. Es posible ver esta técnica en “Errand”, pintado también el año 2004. Si bien su obra carece de prolijidad y parece más bien un croquis o caricatura, se liga perfectamente con su mensaje, ya que lo que busca es retratar un instante.

    http://www.thefrasergallery.com/artists/DavidFeBland2004.html

  6. La reseña plantea que las pinturas son retratos. Catalogarlos de esa manera es importante porque decirle retrato, o naturaleza muerta, o paisaje a un cuadro de inmediato lo enmarca en un género pictórico y eso hace que lo veamos a través de esos lentes (crea expectativas sobre la obra).

    Cuando se dice “Este tipo de pintura se relaciona directamente con su antigua profesión de ilustrador” o “su obra carece de prolijidad”se debe tener cuidado con aseveraciones tan categóricas. Es necesario argumentar este tipo de observaciones, por ejemplo fijando parámetros para hablar de lo prolijo o lo ilustrativo.

    Es un buen intento de analizar las implicancias simbólicas del estilo de pintura. Pero se debe tener presente que cuando se analiza la obra de otro artista, no se accede a sus intenciones, nunca realmente se sabe que quiso decir o hacer con tal o tal gesto. Lo que si podemos saber es como nosotros lo leemos y porque lo vemos de esa manera. No hay necesidad de atribuirle al artista nuestra interpretación, es mejor ahondar en nuestra visión.

    Resaltamos el intento por analizar el cuerpo de obra total del artista, que es una tarea más difícil que sólo una obra.

  7. Pingback: Referente reseñas pintura 2 | Pintura 1

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