Encargo reseña Abril

Domingo Martinez

Álvaro Gonzalez

Isidora Ojeda

Saray Purto

Sofía Rocha

Deben escribir y subir al blog una reseña de 100 palabras aproximadamente sobre la representación y significado del cuerpo en la obra de un pintor (puede ser una sola obra)

11 Comments

Filed under Encargos, Reseñas de pintores

11 responses to “Encargo reseña Abril

  1. Domingo Martínez R.

    Imagen: https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/2/23/Lubin_Baugin_001.jpg

    Título: Nature morte aux gaufrettes / Le Dessert de gaufrettes
    Autor: Lubin Baugin (c. 1612 – 1663)
    Año: Mediados del siglo XVII
    Dimensiones: 52 x 40 cm
    Musée du Louvre, París

    “El mayor mérito de este cuadro es haber puesto entre nosotros y el porvenir el reflejo de la luz en una copa de vino. ¡Oh, su insolente realismo! ¡Oh, los rostros de los que están por nacer! ¡Oh, soles moribundos que calientan mis tibias manos, aparten este cáliz de mi boca! El vino de Monsieur Baugin me es más querido.”

    (Osvaldo Guillén Molina)

    Insolente realismo es el que cruza esta pintura. Realismo que evita por igual el color vibrante y el dibujo complicado; el brillo cegador y el melodrama de la sombra (que nunca llega a ser total). Las cualidades de las cosas (las texturas del mimbre y la copa de cristal, los brillos, la transparencia del vino, los pasajes de luz al interior de las obleas) son verosímiles, ocultando la pincelada a la vez que se aleja de la ilusión o el trompe-l’oeil. Le creemos a la pintura solo si realmente quisiéramos hacerlo.

    Se trata de un realismo gris. No se llega por la luz (la verdad revelada) ni a través de la oscuridad (la verdad esotérica, accesible a unos pocos elegidos) a la verdad de las cosas sino por un espíritu prosaico que no se despega de su exacta superficie, no aspirando a otra cosa que su descripción. Los colores son de un tono intermedio, casi sin matizaciones a pesar de los cambios de luz, entonces la mirada recorre el cuadro como si se deslizara por una pendiente muy leve. Por un momento la vista se convierte en tacto y el ojo en la mano de un ciego que tantea suavemente algo con el fin de imaginárselo.

    Así como el ciego construye la imagen en su mente, lo hace el vidente con esas manchas que se proyectan en su ojo, a las que falsamente atribuye realidad. El gris es el descreimiento del que sabe que todo está en tránsito a la muerte, sin aproblemarse por ello ni obsesionarse, pues no hay verdad más allá de la cosa. De ahí su escepticismo, su libertad, su insolencia.

    • Muy bien lograda la relación entre lenguaje e imagen. Por momentos el lenguaje es mucho más apasionado que la misma pintura, eso hace un interesante contrapunto entre nota y cuadro.
      Ambicioso final, intento de provocar al lector al igual que el cuadro
      ¿La estrategia fue partir de la cita? es recomendable tener una serie de estrategias tanto para pintar como para escribir.
      Rescato la precisa adecuación de los términos utilizados para referirse a los que ocurre visualmente en la imagen. Que todo el texto, a pesar de la conceptualización, se apegue siempre a la visualidad del cuadro.

  2. Sofia Rocha C.

    Eric Fischl

    En su compilación de obras, Fischl, muestra un determinado estilo de vida para el tema de sus cuadros, un tipo de sociedad contemporánea y el cuerpo desnudo ante lo cotidiano. Exacerbando algunas contexturas como forma de representar mas de lo que se ve pero que existe en tales sujetos. El viaje en el tiempo se deja ser tangible gracias al deterioro del cuerpo, las arrugas, piel flácida y tonalidades que puede llegar a tomar la piel dependiendo de su propia experiencia.

    Exagera y propone un cuerpo desnudo sin abstracciones, fiel a lo real pero sin embargo el tema que conforman sus pinturas, denota en ellas ese carácter necesario en cuanto a la pintura moderna. Los temas representados son parte de la cotidianidad del mundo burgués, que nos demuestra una carencia de belleza vital pero propio de placeres excesivos. La vida del ocio y de la diversión, personas desnudas en toda situación. Personajes en la intimidad que denotan ese carácter enigmático. Es una muestra de que el cuerpo es netamente una cualidad que sirve para lucirlo, modelarlo y por lo tanto para no ser calificado. El artista sabe que el cuerpo es un arte como tal, por lo que la dificultad se encuentra en volver el cuerpo a lo que era.

    • Buen análisis la representación del cuerpo y sus implicaciones. Agudas observaciones sobre las contradicciones o polémicas planteadas por los propios cuadros (ejemplo felicidad vs vejez, belleza vs exceso).
      El estilo de escritura es por momentos muy complicado, hay frases que no se entienden (ej: “Exacerbando algunas contexturas como forma de representar mas de lo que se ve pero que existe en tales sujetos.”*). Hay que tratar de usar las palabras y estructuras de lenguaje precisas para decir lo que se quiere. El objetivo es decir más con menos, que cada palabra esté cargada de sentido.
      *Cuando se usa gerundios (como exacerbando) no se puede poner punto sino que se debe continuar con una coma la siguiente idea (Ej: Exacerbando algunas contexturas… , el viaje en el tiempo se deja…etc.) de lo contrario la idea no concluye.
      En cuanto a cómo el autor da cuenta del tiempo del cuerpo, sería pertinente ver cómo esto se relaciona con el procedimiento con el que realiza el cuadro. La pintura de Fishl deja ver siempre la pincelada, el gesto y por lo tanto, el cuerpo del que pinta.

  3. Saray Purto Hoffmann

    Ferdinand Hodler

    Die Nacht/La noche
    1889-1890
    óleo sobre tela, 116.5 x 299 cm

    Es una obra aparentemente pesimista y oscura, donde siete figuras están acostadas durmiendo menos una, que es el mismo pintor, que se encuentra violentamente despertado por la figura de la muerte, viéndose preso por esa angustia que visita en las noches y que no deja dormir. La pintura nos dice mucho de la vida misma del autor ya que en ella nos presenta sus conflictos internos tanto como externos, poniéndonos en esta a su amante, Augustine Dupine, y su esposa, Bertha Stuckie. Nos presenta un período de su vida en una imagen autobiográfica a una escala universal
    Para Hodler, el significado de su obra es universal porque es simbólico: No representa un momento en particular pero evoca la esencia misma de la noche y la muerte. En el, el artista combina un alto realismo y un estricto sentido estético, y no solo eso ya que el se regía por un principio que llamó paralelismo, que se definiría como la repetición de figuras similares, pero que no es solo una regla de composición si no que también es una idea moral y filosófica ya que se basa en la premisa de que la naturaleza tiene un orden basado en la repetición y al fin y al cabo todos guardamos un parecido.
    El realismo de los desnudos y las poses causó un gran escándalo para la época dejándola excluida de la exposición de Bellas Artes de Ginebra, y donde Hodler tuvo que organizar su propia exibición privada.

    • Se mencionan varios temas interesantes, pero no se profundiza mucho en ninguno. Hay que tener cuidado con la información biográfica y anecdótica, como lo de la esposa y la amante, porque si bien es entretenida puede distraer de los temas propiamente artísticos, tales como el estilo pictórico o el simbolismo.
      Me parece que la observación más novedosa es la de la pintura particular como símbolo universal. ¿Como se puede lograr que representaciones de personas singulares hablen de hablen de de figuras míticas o alegóricas? ¿como sabemos por ejemplo que ese paño oscuro abultado es la muerte? ¿donde se encuentran los personajes? Abrir estas preguntas es un logro del texto
      Para ser un texto tan breve, las anécdotas históricas (del primer y último párrafo) y el parafraseo de lo que postulaba el mismo autor sobre su obra, ocupan demasiado espacio. Lo cual quita la posibilidad de hacer un análisis personal que no esté condicionado por las lecturas predeterminadas por otros autores.

  4. Isidora Ojeda

    BALTHUS: El cuerpo como escándalo.

    El artista polaco francés Balthus (Balthasar Klossowski de Rola, 1908-2001) estuvo desde siempre en boca de la crítica. Muchas de sus pinturas muestran a niñas de corta edad en contextos o poses eróticas, y aunque esto significó un escándalo en el público de la época, muchos artistas sentían gran admiración por él. La manera de representar (y de presentar) el cuerpo en gran parte de la obra de Balthus se vuelve de este modo un juego enfermo en el que el erotismo se convierte en la línea invisible que guía nuestra interpretación como espectadores. En su cuadro de 1937 “Girl and a cat” las luces realzan por sobre lo demás las canillas y los muslos de la niña, dejando en segundo plano (quizás intencionalmente) el resto de la escena. Posiblemente es la pose corporal en que el artista representa a la niña lo que nos hace cuestionarnos al observar la pintura. Esa incomodidad sexual presente en la adolescencia, más curiosa que definida pero siempre inocente, parece surgir como la problemática del autor (quien durante su carrera representó de variadas formas, contextos y edades el cuerpo humano). Más allá de si Balthus tenía o no la intención de que sus obras causaran tal escándalo, lo que queda es lo que uno como espectador interpreta al enfrentarse a ellas. Es quizás por esto mismo que el artista mantuvo siempre cierto misterio sobre su persona y el “verdadero” significado de su obra, para dejar que las imágenes se mostraran como tal, como una realidad independiente que no necesariamente necesita justificarse ni explicarse.

    • Buena observación del conflicto artístico en la obra de Balthus, pero el problema pictórico es dejado de lado. se podría haber analizado más la manera de pintar, la síntesis del cuerpo, además de la pose y jerarquía del cuerpo.
      Cuidado con los juicios morales sobre el arte. Designar su obra como “juego enfermo” es una manera de encasillarla cuando precisamente la nota busca abrir la polémica sobre su significado.
      Hubiese sido interesante extender la última idea que se plantea en el primer párrafo “aunque esto significó un escándalo en el público de la época, muchos artistas sentían gran admiración por él” y preguntarse por qué su pintura puede ser de interés para los artistas contemporáneos a él . Por otro lado, cuando se refiere a la estructuración de las luces, creo que no hay que ser eufemistas: la máxima luz no se encuentra en las canillas y muslos, el punto más luminoso está reservado justamente para la entrepierna.
      Ya que en esta unidad empezamos con el color, se podría destacar también que esta pintura tiene la particularidad de que el color (la saturación) se encuentra en la luz o no en la sombra, como lo es en muchos otros pintores en los cuales la luz se opaca con blanco. En el caso de Balthus (similar a Hopper) se ilumina con color.

  5. No encontré información sobre la obra, pero les dejo el link (es la primerqa imágen del blog http://gloriakistenmacher.blogspot.com/2010/12/mi-encuentro-con-bonnard.html

    Un retrato ha de ser, a mi idea, la captura de un algo externo e interno simultáneamente, ambos fundidos en la totalidad de la obra, para dar a luz una pieza inédita que tiene el mundo como referente. Entre lo brumoso y sintético emana la obra de Bonnard la fragancia de lo cotidiano, y aprisiona en ella aquel curioso fenómeno: cuando alguien sale de una habitación y queda vibrando en el espacio un atisbo de su alma prófuga

    • Hay una preocupación por el lenguaje que se agradece. Las palabras logran un efecto estético. Sin embargo el contenido del párrafo es más bien superficial, vago. No se analizan las estrategias pictóricas utilizadas para obtener las sensaciones que se describen. El interés de la reseña es hablar desde la pintura, aprender a pintar observando pinturas de otros.

  6. Pingback: Referente reseñas pintura 2 | Pintura 1

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