About

Complemento al curso de Pintura II en la escuela de arte de la PUC con la profesora Paula Salas.

12 responses to “About

  1. Francisca Torres

    En la obra “Branded” de la artista inglesa Jenny Saville vemos el retrato de una mujer a gran escala, deforme. . Los recursos visuales empleados ayudan a la artista a transmitir su mensaje y la composición juega un rol fundamental en la obra. La composición es muy particular, la que sitúa a la mujer en el centro de la obra pero esta parece ser demasiado grande para entrar en el formato, su cuerpo queda doblado, parte de su cabeza fuera de la pintura y no aparecen sus piernas, el torso ocupa casi por completo la tela sin dejar espacios a los lados, con esto nos acentúa la sensación de un cuerpo extenso, mutante y desproporcionado, donde tenemos en un primer plano gigantesco las manos de la mujer tomándose el abdomen como si estuviera exhibiéndolo al espectador.

    Francisca Torres

    • Comentarios: 6.5
      Paula: Precisa la observación sobre la relación de la composición y el cuerpo. Falta una frase que cierre el párrafo a modo de conclusión.
      Jacinta: Bien la observación acerca de la composición, pero se podrían haber observado también otras estrategias que contribuyen al trabajo del cuerpo y las sensaciones que éste sugiere, como la paleta de color y la pincelada.

  2. Karen Castel

    Reseña Karen Castel

    Peter Doig
    “Canoe- Lake”, 1997, Oil on Canvas, 200×300 cm

    “Canoe- Lake” de Peter Doig es una obra simple que no se detiene a trabajar grandes detalles, más bien problematiza en torno a la captura de la atmósfera, específicamente, el terror. Mediante pinceladas sueltas que recorren el curso de los árboles, manchas difusas que aluden al estado líquido del agua y bloques planos de color para dar solidez a la canoa, nos introduce al tétrico paisaje. Sin embargo, todo lo anterior perdería sentido si no existiera una totalidad cromática que unifica todo el cuadro. Otra operación significativa es la selección de colores, muchos de ellos remiten a la acidez y con ello nutren el aire corrosivo que se cierne sobre las figuras.

    http://www.saatchigallery.com/artists/artpages/doig_Canoe-Lake.htm

  3. Paula: Excelente capacidad de síntesis y buen uso del lenguaje pictórico. Al párrafo le falta una idea central que unifique las observaciones y una frase-conclusión que lo cierre.
    Jacinta: Bien el análisis de la obra, interesante la observación en torno a la “acidez” del color. Me queda la duda en cuanto al “terror” en la atmósfera, que me parece una asociación subjetiva, en la que habría que profundizar y quizás justificar un poco más. ¿Es tu apreciación personal, es lo que el artista quería lograr? Si se trata de conocimientos tuyos acerca del cuadro, creo que debieran enunciarse en el texto, de manera que no queden como algo anecdótico.

  4. Valentina Román

    Auguste Renoir.
    Le Moulin de la Galette à Montmartre ,1876

    La pintura está basada en un hecho cotidiano de la época, un baile, en el cual Auguste Renoir logra plasmar lo divertido y dinámico del mismo a través del uso de la mancha. Usando este método, Renoir desarrolla esta composición; en este baile da la sensación de que el espacio está lleno de gente, logra esto delineando sutilmente las figuras que se encuentran en un plano más cercano y dejando una mancha más pura, -en donde también interviene un inteligente y seleccionado uso de color-, lo que se encuentra más lejos (por ejemplo el color de los sombreros y la vestimenta) engañando a nuestros sentidos y haciéndonos creer que el espacio está repleto. Un detalle que aprecio también de la mancha es que logra representar perfectamente lo deseado, como por ejemplo la flor que está posada sobre el cabello de una de las figuras centrales de la obra, flor que está hecha con no más de 5 pinceladas y tres colores distintos. Destaco además los rayos de luz que caen sobre el piso y los vestidos de las mujeres, estos rayos que penetran a través de los árboles y que se unifica en toda la composición.

  5. Annya Segovia Jara (Reseña)


    Artista: Lucian Freud
    Obra: Benefits Supervisor Sleeping

    El artista Lucian Freud se destaca por el trabajo de desnudos carnales sin seguir los parámetros convencionales de belleza, por el contrario, predominan los retratos perturbadores en las que las figuras humanas trabajadas aparecen con cierta deformidad y flacidez.
    Este es el caso de la obra Benefits Supervisor Sleeping en la que Freud pinta una mujer de contextura robusta recostada en un sillón viejo que parece estar a punto de venirse abajo por el peso que contiene. Este aspecto se ve reforzado por la postura en la que se encuentra la figura femenina que se aferra con su brazo izquierdo al respaldo del sillón enfatizando la sensación de inestabilidad. Además el vientre exuberante y la pierna derecha de la mujer están a punto de desbordarse del sillón. El artista logra trabajar estos grandes volúmenes del cuerpo con una pincelada expresiva y una gran pastosidad que le permite un amplio juego de luces.
    Finalmente la utilización de una paleta neutra que tiende a los grises, ocre y verde oliva para el trabajo de las carnaciones, refuerza la sensación inquietante que transmiten sus obras.

    Annya Segovia Jara

  6. María Ignacia Barra V

    Artista: Jenny Saville
    Obra: Stare
    Tamaño: 3,05 x 2,5 mt
    Año: 2004 – 2005

    El trabajo de Jenny Saville se caracteriza por el máximo provecho de la fotografía y la mancha en sus obras, gracias a la foto sus cuadros abarcan un gran nivel de detalle y estudio respecto al color y comportamiento de la piel y la carne humana, los grandes formatos con los que trabaja la artista aportan a una máxima expresión de la mancha sin quitarle detalles a la composición. La obra “Stare” es un ejemplo de las características anteriormente mencionadas. En esta obra se puede ver el rostro de un joven que abarca por completo la tela, prima una paleta de colores fríos en donde no se mezclan mucho entre ellos y se coloca el color en forma directa en la tela, los tonos más cálidos son utilizados como sombra y poseen un cierto dejo a los mismos colores de la carne mientras que los tonos más fríos se utilizan como luces, el profundo negro del cabello entrega mayor luz al resto de la composición. Los ojos, la nariz y la boca están trabajados a un mayor nivel de detalle que el resto de la composición centrando la vista del espectador hacia estos elementos emanando una sensación de perdida y confusion.

  7. Andrea Norambuena

    Edward Hopper, Morning sun, 1952
    En la obra se ve una mujer sentada en una cama mirando hacia la ventana de la pieza donde se encuentra. Entra dentro de la pintura realista, retrata una escena que podría ser cotidiana, con las proporciones reales, pero con una pincelada un poco suelta y depositada un poco como manchas en vez de tan sobada. El único elemento donde se ve una pincelada más precisa es en el edificio que se ve desde la ventana. Los colores que utiliza aparecen en varios de los elementos, en el cuerpo de la mujer se ven sombras grisáceas como la sábana y otras medias verdosas como la pared. Hay un juego con la luz y sombra. La figura femenina aparece centrada, pero no ocupa toda la imagen. Hopper se caracteriza por darle a su obra un carácter narrativo y esto se ve en el gran espacio que deja en el cuadro para tratar el lugar. No es el cuerpo porque sí, sino que este está dentro de un contexto. En esta obra particular, la habitación, que podría ser un lugar muy íntimo, es muy impersonal. No Tiene ningún elemento que diga algo sobre el personaje. Llama la atención la simpleza y en ese sentido queda poco claro qué lugar es ese. Transmite una sensación de soledad y de tranquilidad en un pequeño espacio personal dentro de la ciudad (Hopper se caracteriza por tratar la vida norteamericana).

  8. Celeste Martínez Parada (reseña)

    Artista: Peter Paul Rubens
    Obra: El Rapto de las hijas de Leucipo

    “El rapto de las hijas de Leucipo” de Peter Paul Rubens pone su énfasis en el color empleado para realizar las carnaciones de las figuras. Esta obra se caracterizar por el movimiento y dramatismo que propone, primando así el uso de colores vivos, los cuerpos torsionados, las diferencias de luces, etc. La obra se compone a través de una pincelada suave y calculada pero con mucha pasta, priorizando las distintas luces y sombras de los cuerpos las cuales se encargaran de dividir la obra en dos segmentos. La unión de luces y sombras en los cuerpos forma los distintos pliegues que se generan por consecuencia de las posiciones en las que estos se encuentran. Rubens muestra la escena de un rapto, a través de las figuras femeninas de contextura robusta en posiciones inestables y en pleno movimiento. Los cuerpos femeninos y masculinos están tratados similarmente, pero es en los cuerpos femeninos en el que se ve un protagonismo en la composición al ser de tonos más claros y al enfatizar el trabajo de luces, resaltando más en la escena, sin perder una unidad cromática dentro de la obra. Utiliza una paleta en la que priman los tonos rojizos, verde oliva y ocres.

    Celeste Martínez Parada

    • Comentarios:
      Paula: Excelente estudio del cuadro, sintético y coherente.
      Jacinta: Buen análisis, podría agregarse la observación de otros elementos en la composición, como la función de las diagonales como elemento activador y las miradas como elemento direccional para la lectura de la obra. Tener en cuenta para la próxima vez que hace falta algún cierre en el texto, a modo de conclusión.

  9. Maria Trinidad Yarad

    Obra: A man and his daughter
    Artista: Lucian Freud
    Dimensiones: 61 x 61 cm

    En esta obra, Lucian Freud retrata a dos personajes de medio torso hacia arriba, una niña apoyada en su padre. Este con la mirada hacia abajo a diferencia de la hija, la cual tiene una mirada al horizonte. El fondo de la pintura está tratado de una manera diferente que los personajes, ya que esta pintado de forma más lisa y pareja sin tanta textura y pasta.

    “A man with his daughter” nos muestra que Freud pone los colores en la tela directamente, con mucha pasta, mezclándolos ahí e incluso a veces dejándolos sin mezclar, lo que genera que los colores se ensucien. Su paleta en la que priman los colores neutros generalmente , aunque a veces usa un color mas fuerte para algunos detalles o pinceladas especificas. La dirección de la pincelada ayuda a que este conjunto de manchas tomen forma y se unan, ya que estas van en el sentido de la piel y la forma del cuerpo, lo que genera cohesión en el total.

    • Comentarios:
      Paula: Muy buena observación del procedimiento pictórico. Una corrección, es al revés el tema de los colores directos en la tela, se ensucian cuando se soban mucho y se mezclan.
      Jacinta: Bien el análisis de las estrategias pictóricas y paleta, aunque sería interesante ver mayor desarrollo, como por ejemplo, en qué afecta o qué se logra con el uso de recursos distintos para el fondo y los personajes, también analizar la composición. Hace falta una conclusión a modo de cierre, ya que el texto termina abruptamente.

Leave a Reply

Fill in your details below or click an icon to log in:

WordPress.com Logo

You are commenting using your WordPress.com account. Log Out / Change )

Twitter picture

You are commenting using your Twitter account. Log Out / Change )

Facebook photo

You are commenting using your Facebook account. Log Out / Change )

Google+ photo

You are commenting using your Google+ account. Log Out / Change )

Connecting to %s